Rascunho Sonoro

Toro Y Moi - "Freaking Out" (EP)

2011-11-24T02:12:00.004-03:00

Após o bem sucedido “Underneath The Pine”, lançado no início de 2011, o multi-instrumentista Chad Bundick, mais conhecido como Toro y Moi, percebeu o que muitos dos seus ouvintes já haviam apreciado em seu segundo álbum de carreira. Os viajantes grooves colados à mistura perfeita de Ambient-Rock, era o que mais se destacava em seu trabalho. Eis que em menos de oito meses depois do lançamento de seu mais aclamado disco, Toro arremessa ao público o inflamado “Freaking Out”. O EP é na verdade uma grande colagem de balanços repartidos que não fariam feio em uma pista de dança, ou nas saudosas FMs de Soft-Rock do início dos anos 80. A força-motriz dos singles “New Beat” e “Still Sound”, ambos de “Underneath...” são elevadas exponencialmente, para criar as cinco e únicas matadoras faixas deste mini-álbum. As atmosferas vocais e os efeitos inspirados na Chill-Wave do Kings Of Convenience e Whitest Boy Alive presentes no último álbum saem de cena, para dar lugar ao contágio feroz das batidas dançantes, remetentes à agonizante Euro-Disco do final da década de 70. Faixas como “Sweet” e “I Can Get Love” trazem os sintetizadores do passado para brincar com as erupções de graves e agudos da “House-Music”. Ao final, os vocais de Chad complementam e amarram todo o disco, lembrando muito os de Prince (isso mesmo) e Michael Jackson (fase “Off The Wall”). Com tantos atributos reunidos, a única negativa que “Freaking Out” possui é por ser extremamente curto. Antes mesmo de você aproveitá-lo, ele já chegou ao fim, assim como a excelente apresentação de Toro Y Moi na última edição do festival Planeta Terra.

Melhores Discos de 2010, Nº 1) Tame Impala - "Innerspeaker"

2011-05-31T01:24:00.005-03:00

É sempre comum uma banda aparecer com uma sonoridade ímpar e chamar, logo de cara, a atenção da imprensa musical. Agora, é difícil uma mesma banda trazer um som de dinâmicas únicas em seu disco de estréia e agradar, espontaneamente, público e mídia. Caso assim, se encaixa perfeitamente ao do Tame Impala. Este quarteto australiano já explicitava em seu EP de estréia seu Garage-Rock de influências densas. Com “Innerspeaker” (2010) a banda alcançou notoriedade através de um rock psicodélico repleto de efeitos incomuns que há muitas décadas não se ouvia no rock convencional. Percebe-se a influência direta daquela aura sônica de “Disreali Gears” do Cream como centro inspirador destes jovens hippies da Oceania. A partir daí, o Tame Impala mostra originalidade dando atmosferas voláteis ao seu som. A bateria soa seca e grudada ao chão, enquanto isso, as guitarras se condensam no ar como se fosse poeira cósmica. Quando o peso é necessário, elas caem por terra pesando toneladas em forma de fuzzes borrados e saturados. Escute “Expectations” e terá uma prova disso. “Lucitdity” convida o ouvinte a levantar vôo a bordo de um confortável Space-Rock em direção ao infinito. A cada música do disco, nota-se o salto criativo do quarteto e o vocal de Kevin Parker se parecer gradativamente com os de John Lennon. Dave Fridmann, o produtor-mor da psicodelia contemporânea (o mesmo de “Soft Bulettin” do Flaming Lips), colabora ainda mais para que “Innerspeaker”, torne o Tame Impala em umas das melhores e mais interessantes novidades musicais da atualidade.

Melhores Discos de 2010, Nº 2) Roky Erickson and Okkervil River - "True Love Cast Out All Evil"

2011-05-19T02:01:00.005-03:00

Depois de quase quinze anos sem lançar nenhum álbum, eis que o eterno líder do 13th Floor Elevators ressurge com um álbum notadamente introspectivo. “True Love Cast Out All Evil” é uma grande autobiografia musicada de Roky Erickson. O disco na verdade, traz um apanhado das melhores demo-tapes que Roky gravou em seu período na Clínica de Segurança Máxima para Doentes Criminais do Texas, no início da década de 70. Sua estadia no hospital psiquiátrico foi decorrente de sua posse de maconha, no fim da década de 60. Erickson então, ficou trancafiado na clínica por anos e foi forçado a alegar insanidade para ser ver livre da prisão. Neste período, entre choques e brabas alucinações, Roky nunca deixou de compor e foi daí que saiu o material bruto para este álbum. As demos originais aparecem aqui e ali, mas o que surpreende mesmo é como as musicas de Roky conseguiram ganhar uma nova sonoridade e identidade, com os arranjos do Okkervil River. O vocalista da banda, Will Shef, produziu a maioria das faixas de forma delicada e competente. A grande prova vem em “Devotional Number One”, onde a demo original da canção é invadida por belíssimos arranjos de cordas ressaltando o dobrado tom melancólico da música. E o disco segue assim, exuberante e surpreendente. As erupções lo-fi das antigas demotapes soam como assustadores flash-backs mentais, vindo direto da mente de Roky. Quem for esperar aquele clima Horror-Rock dos seus primeiros trabalhos-solos, pode até se decepcionar, mas será recompensado com uma bela sonoridade que lembrará muito os tempos de 13th Floor Elevators, na fase “Easter Everywhere”. Destaque para os acordes afiados de “John Lawman”, e as autobiográficas “Bring Back The Past” e “Goodbye Sweet Dreams”. Em seus plenos 63 anos, após tortuosos momentos de sua vida, Roky Erickson finalmente volta ao seu ápice de composição. Esta é a mesma força interior que pariu discos como “Plastic Yono Band” (John Lennon), “Bryter Later” (Nick Drake) e “AstralWeeks” (Van Morrison). Assim como eles, Roky não esperou a morte para soar comovente e confessional.

Melhores Discos de 2010, Nº 3) Radio Dept. - "Clinging To A Scheme"

2011-03-16T04:18:00.005-03:00

O Radio Dept. sempre foi taxado de ser uma banda Shoegazing tardia. Os vocais suaves sempre escondidos por uma parede de efeitos são constantemente a marca registrada deste grupo sueco. Entretanto desde "Pet Grief" (2006) o quarteto explicitava inusitadas influências de Etherall-Pop e Sinth-Pop oitentista, mesclando teclados em cima de acordes afiados de guitarra. Seguindo nessa vertente, eis que "Clinging To A Scheme" emerge à superfície como o melhor álbum do quarteto. Pode-se dizer que ao ouvir este terceiro álbum destes suecos, nos deparamos com a terceira geração do então chamado "Wall Of Sound". Conceito criado pelo produtor Phil Spector na década de 60 e arrebatado pelo Jesus & Mary Chain nos anos 80 com guitarras, agora é a vez do Radio Dept mostrar como cobrir o ouvinte com o maior número possivel de teclados e efeitos. Caso raro como o de "Clinging To A Scheme", o grupo consegue nos envolver com as melhores melodias e climas inebriantes."Domestic Scene" abre o disco com dedilhados emocionados lembrando as melhores paisagens acústicas de Elliot Smith. Quando a música acaba, entra um improvável prelúdio retirado de "Style Wars" (aclamado documentário sobre o grafite novaiorquino) colado aos trinados celestiais de "Heaven's On Fire". Percebe-se a vontade do Radio Dept de contextualizar suas composições e é assim que o álbum prossegue. A sonoridade lembra em vários momentos o casamento perfeito das dinâmicas melódicas do My Bloody Valentine com a exuberância tecnológica do Pet Shop Boys. O resultado disso é um album de tons melancólicos e de músicas memoráveis que irão ressoar dias chuvosos a fio na cabeça de quem as ouve. A voz de Johan Duncanson continua suave e laconicamente distorcida, surpreendendo em maneirismos melódicos como na quase R&B "David" e em "Never Follow Suit" (com outro trecho de "Style Wars" linkando a canção ao seu fim). Como na capa, o Radio Dept. alcança em "Clinging To A Scheme" a representação mais pura de seu som. São suspiradas e sinceras reflexões envoltas em doses de fumaça e solitária neblina.

Melhores Discos de 2010, Nº 4) Delorean - "Subiza"

2011-03-08T07:28:00.004-03:00

Desde o surgimento do grupo em 2000, o Delorean sempre explorou o campo das infinitas possibilidades da música eletrônica. Mas somente foi com o lançamento do EP "Airton Senna" (2009) que este quarteto conseguiu projeção fora de Barcelona. Oriundos do País Basco, (mais precisamente Zarautz, província de Guipúzcoa) o nome do piloto brasileiro deu sorte o bastante a estes rapazes permitindo que eles remixassem oficialmente singles do Franz Ferdinand e do The XX, além de entrar em turnê abrindo shows do grupo sueco MIike Snow. Na sequência de todo o hype, "Subiza" sai em 2010 e traz à tona todo o potencial do Delorean. Nota-se no álbum a referência direta ao Acid-House noventista, aquela vertente eletronica que imortalizou grupos como o The Orb e lendário DJ Andrew Weatherall. Mas a maior qualidade do "Subiza" é mesmo a facilidade que o grupo monta canções pop em cima de estruturas eletrônicas sem que nenhum desavisado suspeite de que ali é um quarteto executando-as em vez de um único Disk-Jóquei. O disco mergulha profundo nos Anos 90 e traz de lá os melhores tons dos álbuns "Técnique" (New Order) e "Screamadelica" (Primal Scream): ambos grupos de Rock aclamados pelo seu pioneirismo em fusões com a música eletrônica. Outra qualidade soberba de "Subiza" são os vocais melódicos e desajeitados de Ekhi Lopetegi remetendo diretamente a Bernard Summer enquanto o restante do grupo defere mutações sônicas repletas de samplers vocais e batidas entrecortadas. Músicas como "Stay Close" e "Real Love" são o que pode se chamar de standards tardios do Alternative Club/Dance. Já "Simple Graces" é um Madchester energético e "Warmer Places" te convida a cair no balanço de um Funk-House frenético e contagiante. Com o nome tirado do modelo de carro imortalizado no filme "De Volta para o Futuro", o Delorean adquire as qualidades do veículo no longa-metragem e nos transporta para os primórdios das festas Raves de Ibiza do início década de 90. Local e época que como em "Subiza", o verão e o pôr-do-sol parecem realmente não ter fim.

Melhores Discos de 2010, Nº 5) Black Rebel Motorcycle Club - "Beat The Devil's Tattoo"

2011-03-03T01:03:00.003-03:00

A maturidade chegou precocemente para o Black Rebel Motorcycle Club em 2005, quando naquele ano eles lançaram o impecável Howl. O disco era uma fusão de Folk-Rock, Rock n' Roll clássico e paisagens sonoras acústicas repletas de melancolia. Com o álbum, este Power-Trio de Los Angeles adquiriu respeito do grande público ao mesmo tempo que agonizava internamente: Howl foi gravado somente com o vocalista/guitarrista Peter Hayes e o baixista Robert Levon enquanto o baterista Nick Jago já havia sido sumariamente expulso da banda por envolvimento em drogas pesadas. Ao mesmo tempo que o trio chutava para longe o seu legado de guitarras distorcidas dos seus dois álbuns anteriores (B.R.M.C. de 2000 e "Take Them On, On Your Own" de 2004), Peter e Robert readmitem Jago para tocarem durante a turnê, porém já percebia visualmente que esta formação não duraria muito tempo. Em 2008, Nick novamente sai da banda sendo substituído por Leah Shapiro, que já havia tocado bateria com o The Raveonettes e o Dead Combo, dando um sopro de energia no grupo durante as apresentações ao vivo. Com o nome tirado de um trecho do conto do escritor Edgar Allan Poe, "Beat The Devil's Tattoo" é o tipico álbum de um grupo que não tem mais nada a perder. Entretanto, é do perigo e da fúria que o Black Rebel Motorcycle Club se alimenta para supreender quem os ousam subestimá-los. A faixa título abre o disco numa levada cortante de violões ritmados para depois emendarem a pedrada "Conscience Killer" inflamada de espírito Punk. "Cause we don't need all that much, cause we never really had a choice...", canta Peter enquanto um mundo de distorção corre atrás dos seus vocais. Escuta e percebe-se claramente que a banda não pertence mais a geração que outrora fora chamada de o "Novo-Rock", isso faz do Black Rebel um monstrengo musical imprevisível e relevante. O trio expande suas influências musicais ao extremo expondo versatilidade sem esquecer suas sonoridades básicas. "Mama Taught Me Better" é um Pós-Punk com estruturas de Kraut-Rock enquanto "River Styx" é um Blues-Rock sujo e pantanoso. Completando 10 anos na estrada ano passado, o Black Rebel Motorcycle Club faz do "Beat The Devil's Tattoo" o disco que reafirma suas identidades. Em pleno século 21, é difícil ver uma banda que ainda ouse fazer Rock n' Roll sem firúlas tecnológicas, apostar no preto e ainda usar displicentemente jaquetas de couro em palco. São esses e outros motivos que fazem do B.R.M.C. um dos grupos mais competentes da década que passou.

Melhores Discos de 2010, Nº 6: Black Mountain - "Wilderness Heart"

2011-02-02T01:27:00.003-03:00

Foi quando o rótulo Pós-Rock já estava saturado o bastante para definir qualquer banda que se aventurasse por experimentalismos barulhentos de mais de 5 minutos que o Black Mountain lançou em 2008 o álbum "In The Future". Longe do enfadonho termo, o disco na verdade era uma perfeita combinação de riffs pesados, munidos de arranjos inspirados no Rock Progressivo convertidos inexplicavelmente para a sonoridade contemporânea. Com o mérito desse álbum, este quinteto canadense foi aclamado pelo seu som Neo-Prog e ainda chamou a atenção da imprensa especializada para várias outras bandas que faziam um som similar (Howlin Rain, Creature With The Atom Brain, Comets On Fire etc...). Através de épicas apresentações e entrevistas que deixavam claras a pose lisérgica do grupo, a expectativa para o sucessor de "In The Future" aumentava consideravelmente. E eis que com "Wilderness Heart" o Black Mountain joga essa expectativa para bem longe. Entretanto, o grupo mostra que ainda tem belos truques escondidos na manga. Neste terceiro trabalho, a atmosfera progressiva é deixada de lado para dar lugar a carregadas influências de Hard Rock e primórdios do Heavy Metal. Mas o que chama mais atenção nesse novo disco é a facilidade com que o Black Mountain consegue unir tantas referências batidas do Rock Clássico de modo ainda bem original. "The Hair Song" abre o álbum e é puro Zeppelin convertido a estética sonora dos Black Crowes. O guitarrista Stephen Mcbean e a vocalista Amber Weber duelam na maioria das faixas, porém é o vocal de Amber que chama mais atenção: sua voz doce e angelical (bastante similar a de Annie Haslam do extinto Renaissance) contrasta e complementa perfeitamente o instrumental do grupo. A partir de mais audições, percebe-se duas faces distintas no álbum. "Old Fangs", "Lets Spirits Ride" e "Rollercoster" são pedradas de acordes musculosos inspiradas no melhor do Deep Purple, Hawkwind e Blue Cheer. Já "Buried By The Blues", "The Space of Your Mind" e "Sadie" são lindas introspecções acústicas no maior clima King Crimson (fase "In the Court of Crimson King") e Floyd (fase "Wish You Were Here"). Com essas duas facetas, "Wilderness Heart" parece um Yin-Yang sonoro: ora reflexivo e calmo, ora distorcido e alto na medida certa. Conceito místico criado por Neo-Hippies musicalmente bem intencionados.

Melhores Discos de 2010, Nº 7: MGMT - "Congratulations"

2011-01-29T12:39:00.003-03:00

Por mais que os fãs gostem dos hits de "Oracular Spetacular", "Congratulations" pode ser o disco que torne o MGMT musicalmente relevante. Não somente pelas mudanças no rumo da sonoridade, mas o grupo buscou com este novo álbum evoluir em suas composições e principalmente nas canções em si. Um pouco antes do álbum sair, Andrew Van Wyngarden e Ben Goldwasser já antecipavam o que poderia ser o som do novo disco com o EP Metanoia de 2009. Os sintentizadores, samplers e programações continuavam por lá, porém ficavam em segundo plano seguindo o andamento de cada música enquanto as guitarras ditavam o novo ritmo. A partir de agora, as influências de Rock Psicodélico se acentuaram ainda mais indicando um novo caminho para o grupo. Será fácil recordar um pouco do Garage-Rock chapado do Electric Prunes (o MGMT frequentemente faz cover de "I Happen to Love You" em shows) combinado a irreverência lisérgica do The Fugs. Partindo deste ponto inicial, o álbum é uma grande viagem sonora de diversas décadas mixada ao gosto particular de cada integrante. "It's Working", "Song For Dan Tracy" e "Brian Eno" remete diretamente ao non-sense dos Pixies, já "Someone's Missing" e "I Found a Whistle" são baladas espirituais repletas de efeitos Dream-Pop. O instrumental viajante recheado de ecos e reverbs também é um dos pontos altos do disco garantindo uma sonoridade bem peculiar a banda. Um bom exemplo disso é "Siberian Breaks": é uma odisséia cósmica composta por 3 músiquinhas curtas que dão forma a uma volátil suíte de 12 minutos. Para contribuir ainda mais para evolução do grupo, a produção do disco ficou por conta de Sonic Boom (ex -integrante do lendário Spacemen 3) abrindo o caminho definitivo a iminente evolução musical do MGMT.

Melhores Discos de 2010, Nº 8: Groove Armada - "Black Light"

2011-01-27T22:04:00.003-03:00

Para o grande público, o Groove Armada ficou conhecido no início dos anos 2000 pelo estouro das faixas "My Friend" e "Superstilin". Um pouco antes disso, este Duo de música eletrônica formado por Andy Cato e Tom Findlay já havia sentido o gosto do mainstream quando o remix feito por Fatboy Slim para "I See You Baby" animou muitas pistas de dança mundo afora no fim dos anos 90. Desde então, a dupla trabalhou remixando artistas tanto da música Pop e da cena alternativa como Neneh Cherry, Sophie Barker entre outros. Eis que a dupla ressurge com disco novo e em sua melhor forma desde dos álbuns "Lovebox" de 1999 e "Goodbye Country (Hello Nightclub) de 2003. "Black Light" é o melhor disco do Groove Armada em tempos provavelmente pela facilidade em que cativa o ouvinte pronto para cair na balada quanto alguém que deseja ouvir apenas um bom disco de música eletrônica. Andy e Tom afinam suas programações indo fundo aos prirmódios das cenas raves buscando inspiração no House, o Ambient e por fim no Sinth-Pop dos anos 80. Vai se perceber um pouco de Soft-Cell e Depeche Mode em canções como "History" e "Cards To Your Heart" enquanto arrasa-quarteirões em forma de Tecno-House como "Paper Romance" e "Time and Space" garantem uma pista cheia para qualquer DJ. Além das batidas e graves muito bem colocados, o álbum conta com onipresentes vocais escolhidos a dedo por Cato e Findlay. Alías, são os vocais que tornam esse disco acessível e agradável de se ouvir. Com a ajuda de Nick Littlemore (o homem escondido entre os samplers do Empire Of The Sun) cantando "Warsaw" e "Not Forgotten", garante aos rockers modernos bons momentos com o Groove Armada. Bryan Ferry aparece em "Shameless" soltando sua voz inconfundível, enquanto Jess Larrabee (do obscuro grupo indie She Keeps Bees) e SaintSaviour esbanjam elegância em "Just For Tonight" e "I Wont Kneel". Sendo eclético sem perder a identidade, Black Light é um disco denso e em alguns momentos até sombrio, assim como afirmou Findlay antes do álbum sair: "É o lado negro do Groove Armada que ficou escondido por mais de 12 anos". Ainda em 2010 saiu "White Light" , recheados de remixes e versões alternativas destas reflexões e instigamentos pre-pós noitada que compõem o álbum. Ambas peças indispensáveis para qualquer baladeiro de plantão.

Melhores Discos de 2010, Nº 9: She & Him: "Volume Two"

2011-01-26T12:14:00.005-03:00

Mais do que uma continuação do disco anterior, Volume Two é um progresso natural da parceria da atriz Zooey Deschanel com o músico Matt Ward. Nem a projeção gigantesca do filme "500 Dias Com Ela" abalou a estima da dupla possibilitando que eles compusessem canções redodinhas e agri-doces inspiradas no melhor do Country-Folk e do Pop-Vintage. E é assim que as qualidades do She & Him saltam aos nossos ouvidos a cada nova faixa deste novo álbum. A voz de Zooey soa versátil e se adequa perfeitamente aos arranjos de Matt com ambos duelando de música em música onde cada um mostra seus atributos. As canções em si, remetem ao Pop dos grupos vocais femininos sessentistas (The Crystals, The Ronettes) e a Música Country daquela mesma época. Vai-se perceber isso facilmente em "Thieves", "Gonna Get Along Without You Now" e "If You Can't Sleep" com Zooey cantando versos que deixam Emylou Harris orgulhosa. Deschanel assina as composições, enquanto Ward se encarrega de todos os arranjos complementando perfeitamente os vocais como em "In The Sun", "Don't Look Back" e "Ridin' in My Car". No fim, os dois soam entrosados e criativos fazendo de Volume Two bem superior a estréia da dupla. Com o She & Him, Zooey metaforicamente lembra sua personagem de "Quase Famosos", quando assim presenteia seu irmão mais novo com sua coleção de discos. Através da ajuda de Matt ela está transpondo ficção para realidade de forma bem surpreendente.

Melhores Discos de 2010, Nº 10: The Bird and The Bee - "Interpreting The Masters Vol. 1: A Tribute To Daryl Hall & John Oates"

2011-01-25T12:13:00.007-03:00

Foi de um encontro por acaso em 2004 entre a cantora Inara George e o multi-instrumentista Greg Kurstin que nasceu o The Bird and The Bee. A partir daí, durante as gravações do primeiro trabalho solo de Inara ("All Rise" de 2004) ambos perceberam suas afinidades musicais. Mesclando nuances de Bossa-Nova, Electro e Pop-Retrô a dupla adquiriu o status de "Cult-Duo", e desde o ano de 2007 este casal tem o mérito supremo de ter seus álbuns editados pela lendária gravadora de Jazz Blue Note. Após isso, Greg colaborou na produção de discos mais recentes de Beck e Flaming Lips enquanto Inara trabalhou em sua carreira solo. Mas apesar de todo o talento mostrado em seu disco de estréia ("The Bird And The Bee" de 2007), foi somente em 2008 com o estouro das bem sucedidas covers de "How Deep is your Love" dos Bee Gees e "Don't Stop The Music" de Rihanna que a dupla percebeu sua capacidade de fazer inusitadas releituras musicais. O que fez tornar madura a idéia do seu disco mais recente lançado em 2010. Inspirados nos tradicionais Songbooks de Jazz a dupla elege o duo Daryl Hall & John Oates como seus mestres e "cobaias" para seus experimentos. "Interpreting The Masters Vol. 1: A Tribute to Daryl Hall And John Oates" é um agradável album de reileturas dos sucessos da dupla oitentista, rearranjados por Greg e intepretados com o doce vocal de Inara. Dosando batidas programadas de Soul Music e R&B a dupla inverte a lógica dos Songbooks e puxa a tão saturada música Lounge pelo avesso para cometer versões das memoráveis "I Can't Go For That", "Kiss On My List", "Maneater" (esta com os backing-vocals de Shirley Manson do Garbage) entre outros sucessos de Daryl e John. O disco conta ainda com a inédita "I Heard It From the Radio" e pelo visto, a empreitada deu bastante certo, já que a dupla planeja em breve um lançamento de um possível Volume 2. Provavelmente uma bela sequência desta brilhante idéia pós-moderna em forma de boa música Pop.

Acid Combo: Creature With The Atom Brain & MGMT

2010-08-24T03:08:00.008-03:00

Quando certo estilo musical se ramifica ao ponto de ser necessário ouvir com calma cada vertente, é sempre recomendável também abrir a mente para cada novo tom e dinâmica que este gênero adquire. E aqui, abertura de mente é algo que é realmente importante. Com certeza você vai me perguntar: “Estamos falando de Rock não é?” Em parte, estamos falando de uma das suas mais abrasivas vertentes e que atualmente ganha força vinda de ouvidos afiados capazes renová-lo para o discutirmos aqui: O Acid Rock. É com essa nova energia que dois discos se destacaram recentemente apresentando um ponto de vista diferente para o estilo. O primeiro é o álbum "Transylvânia” do Creature With The Atom Brain e o segundo é “Congratulations” dos já hypeados MGMT.

Surgido na Bélgica em 2005, Creature With The Atom Brain é formado por Aldo Struyf (Guitarra/Teclado/Vocal), Michael Lawrence(Bateria), Jan Wygers (Baixo) e Michiel Van Cleuvenbergen (Guitarra). Após gravar uma séries de Ep’s, eles lançam em 2008 seu álbum de estréia “I Am The Gate Golden Bridge”. Bastante influenciado por Rock Psicodélico e principalmente pelo compositor Roky Erickson, (ex-vocalista do lendário 13th Floor Elevators), o nome “Creature With The Atom Brain” foi tirado de uma música composta por Roky em sua fase solo tão cultuada pelo grupo Belga. E é com o álbum “Transylvania” lançado em 2009 que o quarteto se aproximou mais dessa influência, garantindo um amadurecimento criativo que os fez serem chamados para abrirem shows do Dead Weather e da nova turnê do Alice in Chains. O disco todo é carregado de momentos memoráveis, onde eles realmente levam suas referências criativas até as ultimas conseqüências. Há citações sobre paranóias, drogas, perda de sentidos e muita, mas muita badtrip, um bom exemplo disso é a faixa título: música de bateria suingada e percussão pesada, onde as guitarras hipnotizam e convencem o ouvinte a seguir viagem com o grupo. É com essa sonoridade que destacam a banda em seu melhor. O quarteto soa como uma garage band 60’s só que presa na maquinaria do Alternativo 90’s, não é a toa que convidaram Mark Lanegan (Ex-Screaming Trees) para soltar sua rouquidão em “Lonely Light”. O álbum ainda segue mostrando mais atributos da banda, como nas lisérgicas “I Rise The Moon” e “Spinning the Black Hole”, onde o vocalista Aldo Struif canta como se fosse um astronauta intoxicado vagando solto pelo espaço sideral, sendo acompanhado de um instrumental que remete as melhores viagens cósmicas do 13th Floor Elevators e Electric Prunes.

Já os novaiorquinos do MGMT chegam com seu segundo disco prosseguindo em sua neo-psicodelia, porém de forma bem diferente de seu álbum anterior. Quem ouviu e gostou de “Oracular Spetacular”(2007) vai achar “Congratulations” bem diferente ou até mesmo se decepcionar. Mas o que para muitos vai parecer como retrocesso, para o MGMT é tremendo avanço a ponto de até levar a banda ao status de interessante nova promessa de Psych-Rock: assim como já aconteceu com o Flaming Lips, Mercury Rev e o Super Furry Animals. Os sintetizadores do disco anterior foram trocados por guitarras voláteis diluídas em um mar de reverb chapado. O MGMT mostra que a postura hiponga de “Oracular...” agora se mantém discreta por trás de canções recheadas de efeitos em um leve toque de Surf Music. A capa em 3-D com a atrativa chamada “MGMT para loucos, psicodélicos e afins” dá o tom do que se espera ouvir: Rocks esganiçados jogados ao eco infinito, ora urgentes como em “Its Working” e “Brian Eno” (esta uma excêntrica homenagem ao tão aclamado produtor) ora lentos e viajantes como em “Congratulations” e "Siberian Breaks” (que bate os 12 min e 09 seg). Para chegar a nova sonoridade, a dupla contou com ajuda do produtor Sonic Boom, (ex-integrante do fundamental Spacemen 3) no qual transformou o MGMT em um filho abastardo da gravadora 4AD e que convenhamos, isso está longe de ser algo ruim. Em suma, Creature With The Atom Brain e MGMT mesmo com estilos diferentes, cultivam a vertente do Rock que já fez milhares de fãs de música expandirem suas mentes através de sons (e substâncias). Os ouvidos atentos agradecem.

Letra: "Almost Blue" - Chet Baker

2010-07-16T01:17:00.003-03:00

Almost blue
Almost doing things we used to do
There's a girl here and she's almost you
Almost
All the things that your eyes once promised
I see in hers too
Now your eyes are red from crying

Almost blue
Flirting with this disaster became me
It named me as the fool who only aimed to be

Almost blue
It's almost touching it will almost do
There's a part of me that's always true... always

Not all good things come to an end now, it is only a chosen few
I have seen such an unhappy couple

Almost me

Almost you

Almost blue

Chet Baker canta essa música com tanto egoísmo como se a dor fosse toda dele, mas ela também se torna nossa ao ouvi-lo cantando-a.

Music Tube Television: Miles Davis Group

2010-04-15T00:03:00.004-03:00

Registro fundamental do estrelado Miles Davis Group em Agosto de 1970, no histórico Festival de Música da Ilha de Wight. Davis (trompete) comanda a banda enquanto ninguém menos que os lendários Chick Corea (sintetizadores), Dave Holland (baixo elétrico), Jack Dejohenette (bateria), Keith Jarret (teclado), Wayne Shorter e o brasileiro Airto Moreira (percussão) despejam o instrumental de um dos principais concertos da história do Jazz. Juntamente a isso, Miles afina sua virtuose e genialidade no trompete em um dos momentos altos da fase mais experimental de sua carreira.

E em breve, resenhas já das novidades de 2010 !

2010-04-14T23:32:00.005-03:00

"Eu deliberadamente escolhi romper com as tradições de modo a ser mais fiel à Tradição do que as atuais convenções e idéias permitem. O caminho mais vital normalmente é o mais difícil, e passa por convenções muitas vezes transfomadas em leis que precisam ser rompidas, com a consequente liberação de outras forças que não suportam a liberdade. Portanto, uma ruptura dessa natureza é algo perigoso, embora seja indispensável para a sociedade. A sociedade reconhece o perigo, a faz com que a ruptura normalmente seja fatal ao homem que a produz. Ela não deve ser feita sem que sejam avaliados o perigo e o sacrifício, sem a capacidade de suportar violentas punições, nem sem a fé sincera em que o fim justifica os meios, nem eu acredito que isso possa ser efetivamente conseguido sem tudo isso."

Frank Lloyd Wright

Arctic Monkeys - "Humbug" (2009)

2009-12-08T02:43:00.005-03:00

Há quem diga que a coisa mais difícil na música pop é um disco de transição funcionar. Pois então agora as portas do fim da década onde a música torna-se cada vez mais volátil e os artistas por mais que busquem uma constante reformulação artística, parecem ver seu trabalho expirar com mais rapidez do que há uma ou duas décadas atrás. Com todos esses fatores montando o cenário musical de 00's vejamos então o caso do Arctic Monkeys, banda que em 2006 repetiu do outro lado do Atlântico algo similar que aconteceu com os Strokes em 2001. Antes mesmo que seu disco de estréia "Whatever They Say I Am, Its What i Am Not" saísse, a metade da juventude Européia já tinha o repertório do disco em seus ipods e na ponta da lingua. Em consequência, a banda trouxe o vigor adolescente de volta ao Rock Britânico, algo que já se preparava com o Libertines e que precocemente foi dissolvido com o fim da banda. Com o estouro de "Whatever Say I am..." o quarteto comandado por Alex Turner se viu exposto ao cenário mencionado acima. Um ano após a estreia vêm o segundo disco "Favourite Worst Nightmare" e pelo que se percebeu, o disco na verdade era uma continuação muito bem feita de "Whatever Say I Am...", tanto que ninguém chegou a cutucar a banda com o famoso estigma "teste do segundo disco".

Agora com o recém lançado "Humbug" a banda parece ter sentido o peso por ter passado por média em seus dois discos fundamentais. Se percebe em todo momento no disco novo uma leve tensão, algo nunca sentido ou escutado no grupo anteriormente e isso se refletiu brutalmente na sonoridade. A bateria soa lenta, alta e seca, o baixo está mais pesado e em alguns momentos aparece sujo e distorcido como no primeiro single do disco. A faixa "Crying Lighting" ilustra bem essa mudança no som: as guitarras ora emanam os riffs angulares tão utilizados nos discos anteriores ora jogam dedilhados viajantes. Há algo de novo no espírito da banda, apesar deles jogarem essencialmente com as mesmas ferramentas de antes. Vê-se isso no quarteto logo na capa (estampados finalmente os quatro), há um semblante diferente nos rostos dos integrantes, como se eles tivessem descoberto algo rico, diferente e que ninguém poderá saber se for investigar por vias demasiadamente objetivas. E esta é a maior qualidade de "Humbug", o disco é convidativo a se ouvir e em alguns momentos obriga o ouvinte a evoluir junto com a banda. Vai se perceber um frescor de brit pop na balada "Cornerstone" e em "The Jewerller's Hand" e a metamorforse sonora do grupo em "Secret Door" e em "Dangerous Animals". A produção de Josh Homme (Queens Of The Stone Age) injetou mais ironia e cinismo ao album, apesar de não ter sido o fator principal para a visível mudança. "Humbug" mostra que os Arctic Monkeys carregam em si algo bastante potente podendo em algum momento no futuro acarretar até em uma segunda revolução. Coisa para um quarto disco mostrar de forma direta e decisiva.

Music Tube Television: Radiohead

2009-03-16T19:15:00.005-03:00

Registro histórico do quinteto no programa da MTV gringa "Beach House" em 1994. Radiohead em uma perfomance de "Anyone Can Play Guitar" que beira a psicopatia, com direito a mergulho na piscina de um até então "oxigenado" Thom Yorke. Reparem na inspirada e cínica alteração da letra ao mencionar o """mito""" Jim Morrison:

"I wanna be Jim Morrison...fat, ugly, dead"
Thom Yorke

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Rascunho Sonoro: Hawkwind - "Urban Guerrilla" (1973)

2009-02-24T22:43:00.005-03:00

A primeira vista antes de tudo, é uma afronta em forma de música. E ela começa de forma simples com os acordes da guitarrra distorcida e inflamada até o ataque inicial de bateria, invadindo e tomando a atenção do ouvinte à assalto. A canção prossegue em meio a uma empolgante estrutura sônica, créditos a um então desconhecido Lemmy Kilmster: um ex-roadie de Jimi Hendrix que entrou na banda por acaso assumindo assim o contra-baixo e também uma boa parte das idéias de composição da banda junto com o guitarrista David Brock. E em pouco tempo, músicas como essa se tornariam icógnitas até para os mais familiarizados com o grupo, tanto pelo seu distanciamento do conteúdo "sci-fi" vindo do seu escritor-mentor Michael Moonrock quanto pela sua sonoridade peculiar para o início da tão turbulenta década de 70. Indo de carona no espírito da época, o vocalista Rob Calvert implode o legado de espaço-naves e guerras intergalácticas da banda cantando os seguintes versos: "Eu sou uma guerrilha urbana/ Eu faço bombas no meu celeiro/ sou um habitante abandonado/ um assassino em potencial. Eu sou um combatente de rua/ sou um romancista revolucionário/ um câncer da sociedade. Então não vamos falar de adoráveis flores e de coisas que não explodam/ Nós costumamos trazer todo nosso poder mágico tentando criá-lo na estrada." Vendo o conteúdo da letra superficialmente, nota-se que "corrida espacial" deixou de ser inspiração para a banda, e sem ter uma inicial intenção acaba indiretamente atacando até os então já decadentes hippies daquele momento. Como se fossem estilhaços de uma bomba de verdade, o impacto da canção não pára por aí: "Eu sou um bandido político/ e você não entende/ você tomou meu sonho o enlatou e isto não foi o combinado/ Eu sou um destruidor da sociedade/ sou um construtor de bombas de gasolina/ um condutor da luz cósmica/ um quitador da dívida popular/ Então cuidado Senhor de Negócios, seu imperio está prestes a explodir/ Eu acho melhor que você me escute, rapaz/ Caso você seja um desavisado".

A letra narrada em primeira pessoa, logico apontou para uma imediata e inevitável polêmica, principalmente quando o single lançando em 1973 no Reino Unido coincidiu com semanas onde rumores de que o grupo separatista IRA (Exercito Republicano Irlandês) planejava um possível ataque nas ruas de Londres. Com o estrago já feito pelo grupo e o conteúdo da canção, a polêmica instalada elevou rapidamente o single a 39ª posição da parada britânica, mesmo com a Rádio BBC recusando-se a executá-lo. Toda controvérsia chegou então ao seu àpice três semanas depois quando o single fora recolhido, apesar da banda afirmar posteriormente de que a música tratava-se de uma sátira composta por Calvert. "Uma vez fizemos um show no distrito de Stoke Newington, perto de Londres. E na platéia haviam anarquistas da 'The Angry Brigade' (grupo militante comunista britânico) que também faziam bombas entre outras ações, era sobre eles que Calvert estava falando", afirmou Lemmy algum tempo depois de deixar a banda e montar o Motorhead. Apesar de todo o ocorrido, o conteúdo anarquista da canção do Hawkwind ainda ressoa várias décadas depois. Se em 1973 sua letra já causava estardalhaço, hoje soa atemporal devido ao contemporâneo esbuste do tema "Terrorismo" ressaltado exaustivamente pelas nações capitalistas afora. Na crista do contexto atual, o Primal Scream homenageou a música regravando-a em seu último disco ("Beatifull Future" de 2008) demostrando assim o impacto de "Urban Guerrilla" até os dias atuais. E junto com a sua letra e o seu instrumental possante seriam então mais uma combinação híbrida que serviria de matéria-prima para dois elementos opostos que iriam dominar o rock anos depois: o oriundo Punk Rock e aquilo que posteriormente seria chamado de Heavy Metal.

Música: "Urban Guerrilla"
Artista: Hawkwind
Album: "Doremi Fasol Latido" (1973)

Música Gêmea: "You'd Better Believe It" - Álbum: "Hall Of Mountain Gril (1975)

I'm an urban guerilla
I make bombs in my cellar
I'm a derelict dweller
I'm a potential killer
I'm a street fighting dancer
I'm a revolutionary romancer
I'm society's cancer
I'm a two-tone panther
So let's not talk of love and flowers
And things that don't explode
We've used up all of our magic powers
Trying to do it in the road

I'm a political bandit
And you don't understand it
You took my dream and canned it
It is not the way I planned it
I'm society's destructor
I'm a petrol bomb constructor
I'm a cosmic light conductor
I'm the people's debt collector
So watch out Mr. Business Man
Your empire's about to blow
I think you'd better listen, man
In case you did not know

Music Tube Television: Small Faces

2009-02-20T16:48:00.008-03:00

Small Faces - "Song Of A Baker"

Registro de 1968 tirado do programa de TV britânico "Colour Me Pop ". Ronnie Lane comanda os vocais na apresentação enquanto Steve Marriot (ainda pré-Humble Pie), Kenney Jones (ainda pré-The Who) e Ian Maclagan desferem o instrumental de "Song Of A Baker". Outra peça psicodélica do disco fundamental "Ogden's Nut Gone Flake", lançando naquele mesmo ano.

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Rascunho Sonoro: Roky Erickson - "I Think of Demons" (1981)

2009-01-11T22:35:00.004-03:00

Pelos acordes iniciais da guitarrra em overdrive não se imagina na potência que esta canção possui. Soa mesmo como uma música inofensiva nos primeiros momentos. No entanto, tratando - se do autor da própria fica difícil imaginar que qualquer musica composta por ele não venha sem melodias ganchudas adicionadas de elementos pra lá de abrasivos ( e ácidos ). Mesmo sem os fraseados característicos de Tommy Hall com a electric jug e a guitarra hipnótica de Stacy Sutterland, Roky Erickson ainda mantém bem vivos os dois alicerces que imortalizaram o 13th Floor Elevators junto com a sua afiadíssima banda de apoio, o The Aliens: "I, I, I, Think of Demons/ they never kill/ they dont need to/ the scared is true/ i think of demons/ for you", cantarola Erickson sem pudor nenhum expondo o que passa pela sua mente. Rezando a lenda de que no verão de 1967 Roky "empurrou" para dentro aproximadamente 300 pastilhas de LSD, diferente de seu colega Syd Barret parece que a substância não deteriorou sua parte do cérebro responsável de compor e escrever letras. Intencionalmente, a substância contribuiu foi para oscilar suas composições de forma extremamente genial. "Lucifer, Lucifer, Lucifer/ its been waiting on you", avisa e apavora Roky, ao mesmo tempo que a banda vai despejando a mais salvadora e pegajosa das melodias. É por essa altura da música que vai se pensando que tudo foi feito de propósito. Tratando -se de Roky e recordando a sua trajetória tortuosa a resposta é bem provável que seja sim. Nascido no Texas, estado de forte influência católica e batista durante sua juventude nos anos 60, não era de se esperar que Erickson se sentisse um verdadeiro peixe fora d'agua. Tanto que depois de décadas da dissolução de sua banda principal, prisões, meses levando choques e mais choques em hospíscios de Austin, é impossivel pensar que ele escapasse imune. E mesmo com esta canção lançada no seu disco de estréia de sua carreira solo abordando o seu calvário pessoal ( assim como a maioria das outras canções de "The Evil One" de 1981 ), a impressão que se têm é que está se ouvindo uma musica gospel às avessas que incita o "rapaz" da marca dos três 9 invertidos (brrrrr... !!! ). Mais do que maniqueímos cristãos a parte, "I Think of Demons" é uma das canções Rock mais representativas do inicio da década de 80 tão mergulhada em sintetizadores new wavers. Composta por quem é considerado um dos elos vivos existentes entre o rock clássico e o rock contemporâneo, Roky Erickson é o cara que no passado apostou no novo e hoje é essencial para todas as novidades que surgiram desde então.

Musica: "I Think Of Demons"
Artista: Roky Erickson and the Aliens
Album: "The Evil One" - (1981)

Música Gêmea: "Mine Mine Mind" - Album: "The Evil One"

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Rascunho Sonoro: The Who - "Baba o'Rilley(1971)"

2008-12-22T11:32:00.008-03:00

"Se canções fossem falas em uma conversa, tudo estaria bem" Nick Drake

Ouvem-se sequências de teclados sampleados de forma frenética, vindas de um sintetizador que aos poucos vai prendendo a atenção de quem escuta a espera de uma nova variação melódica. Mesmo sob um conceito inicialmente experimental, logo nota-se um sentimento agridoce permeando toda melodia e prosseguindo na canção até o fim. A partir daí, a introdução feita por Townshend inspirada no compositor minimalista Terry Riley extende-se até ser encoberta pelo toque de um gentil piano, seguida pela batida de Keith Moon e John Entwistle moldando e dando sentido ao ritmo da introdução. Opondo-se ao conceito experimental do início, a letra narra uma história de uma família camponesa comandada por Ray que junto a esposa Sally e filhos partem de sua terra em direção à Londres, na ânsia de melhores expectativas: "Out here in the fields/ I FARM for my meals/I get my back into my living./I don't need to fight/To prove I'm right/I don't need to be forgiven./yeah,yeah,yeah,yeah,yeah". Roger Daltrey abre a canção em voz alta, carregado de coragem e emoção incorporando Ray e comandando as estrofes fazendo toda a banda seguí-lo. Aqui ele mostra todo seu potencial absoluto como vocalista, tão ofuscado até então e que iria progredir cada vez mais, despertando uma saudável rivalidade entre ele e Townshend. É nesse momento que na canção instala-se um duelo entre os dois: "Don't cry/ Don't raise your eye/ It's only teenage wasteland", complementa Townshend em vocal emocionado do outro lado. Então Daltrey completa: "Sally, take my hand/ We'll travel south cross land/ Put out the fire/ And don't look past my shoulder./ The exodus is here/ The happy ones are near/ Let's get together/ Before we get much older." Percebe-se então a complexidade que a música aos poucos toma, do título (o nome "Baba" em homenagem a Meher Baba, mestre/conselheiro indiano de Townshend) ao seu instrumental (Rilley fazendo referência a compositor Terry Rilley, cujo o guitarrista buscou referência em sua obra para criar a abstrata introdução). Assim como o principal atributo (e qualidade) do The Who, a canção segue para o imprevisível: após o solo de Townshend, violinos e percussões frenéticas entram em ação levando a música até o final. Recorda-se rapidamente ao início abstrato porém agora representado como se fosse um doce trecho de alguma cantiga folk irlandesa, combinada ao virtuose do Rock de Arena em que a música torna-se quando executada em palco, com Daltrey tocando gaita e Townshend a pandeirola. Integrante do álbum "Who's Next" (1971), são essas características que fazem Baba o'Rilley uma canção de valor criativo e artístico dentro da história do Rock. Vinda de uma banda cujo seu inconformismo aliado ao desconforto de ser única, lhe fez fundamental diante de todas as outras de sua época. E a canção, como todas as outras que escondem genialidade em seus detalhes, ganhou vida própria e hoje embala memórias e sensações que assim como sua complexidade, vão e voltam infinitamente.

"Out here in the fields
I FARM for my meals
I get my back into my living.
I don't need to fight
To prove I'm right
I don't need to be forgiven.
yeah,yeah,yeah,yeah,yeah

Don't cry
Don't raise your eye
It's only teenage wasteland

Sally, take my hand
We'll travel south cross land
Put out the fire
And don't look past my shoulder.
The exodus is here
The happy ones are near
Let's get together
Before we get much older.

Teenage wasteland
It's only teenage wasteland.
Teenage wasteland
Oh, yeah
Teenage wasteland
They're all wasted!"

Music Tube Television: Television

2008-10-22T00:59:00.004-03:00

Television - Foxhole

Registro de 1978, Tom Verlaine e Richard Loyd trocam solos com a facilidade que desferem mais um petardo melódico e emblemático encabeçando a banda fundamental do inicio do pós - punk.

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2008-08-27T01:09:00.002-03:00

Você é firme?
Você é firme como uma rocha?
Você tem fundações fortes
Ou sua alma pode ser comprada?
Isso não é verdade...
Todo mundo tem um preço
Eu canto esta canção para todos aqueles
Que se levantam por seus direitos

Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela
Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela

Irmã Rose, Malcom X e Dr. King
Nos mostraram que nós temos o poder
Nos mostraram que mudanças nós podemos trazer.
Para mudar a sociedade
Você tem que mudar a lei
Seus corpos podem ter partido
Mas seus espíritos ainda vivem!

Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela
Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela

(almas rebeldes)

Para os sonhadores, almas rebeldes e dias futuros
Sejam bravos e fortes
Sigam em frente
Sejam consciência no caos
A rainha da Inglaterra
Não há anarquista maior
O guerreiro libertador de uns
É o terrorista de outros

Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela
Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela

Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela
Todo irmão é uma Estrela
Toda irmã é uma Estrela

São por essas palavras e outras que eu continuo para sempre fã dessa banda.

~ Primal Scream - "Star"

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Letter Office, It's Alive !

2008-08-10T21:24:00.004-03:00

Explicando títulos que de vez em quando aparecem por aqui e que acabaram tomando lugar considerável.

Fools Gold: Nome vindo de uma música dos Stones Roses. Destrincha a história de algum artista ou banda que pela sua importância, tornou-se marcante para a história do Rock. Seja ele(a) obscuro ou não.

Top 5: Listas e mais listas, em 5 posições decrescentes. Só 5, porque 10 posições demora muito.

Music Tube Television: Sempre um registro musical bacana e raro, encontrado, copiado e colado para cá direto do "mundo tubo ponto com".

Rascunho Sonoro: Batizado com o nome do blog também. São impressões e divagações a respeito de alguma música escolhida a dedo. Nada de discos inteiros ou resenhas, uma música somente e um texto.

Outros quadros ? Talvez. Mas entre rascunhos pessoais, os quadros citados acima são os que surgirão mais. Como nas Olimpíadas...eu volto a qualquer momento, a cada novo ouro.

=*

~ Small Faces - "Tin Soldier"

2008-08-10T21:16:00.002-03:00

I hurt myself today
To see if I still feel
I focus on the pain
The only thing that's real
The needle tears a hole
The old familiar sting
Try to kill it all away
But I remember everything

What have I become?
My sweetest friend
Everyone I know goes away
In the end

And you could have it all
My empire of dirt

I will let you down
I will make you hurt

I wear this crown of thorns
Upon my liar's chair
Full of broken thoughts
I cannot repair
Beneath the stains of time
The feelings disappear
You are someone else
I am still right here

What have I become?
My sweetest friend
Everyone I know goes away
In the end

And you could have it all
My empire of dirt

I will let you down
I will make you hurt
If I could start again

A million miles away
I would keep myself
I would find a way

esta música é original do Nine Inch Nails... mas ela na voz de Johnny Cash, a letra faz todo sentido.

~ Johnny Cash - "Hurt"

Rascunho Sonoro: Public Image - "Fishing"

2008-08-05T12:28:00.003-03:00

Nem Punk Rock, muito menos Hard Core. A levada de bateria é abstrata e incompreensiva nos primeiros segundos, fazendo sentido só quando um Riff de guitarra monocórdico surge impondo um tom invasivo e ameaçador. John Lydonn, conhecido antes como Johnny Rotten entra cuspindo a letra: "Closed mouth catches no flies /Burning bridges as you're crossing is not very wise/ When analysed /Be tongue-tied/ Play snakes and ladders /But not suicide /Like casting pearl before swine". A ironia segue, em uma letra composta para soar melódica mas que Lydon canta de forma que não se percebe-se vírgula em lugar algum. Mais parece uma lista de conselhos em que ele dispara a quem ouve, de forma rasteira e enérgica como ele sempre é. Porém sua paciência punk não é muito grande, então o refrão vêem:" Talking to you is a waste of time/ You burned the bridges you've been crossing/ Go crawl back into your dustbin". Já neste ponto da música, a curiosidade é aguçada o bastante para se procurar a letra onde quer seja, ou ao menos balançar-se um pouco batucando a batida tribal e viciante. A guitarra nessa altura, desbanda para uma ponte seguindo o vocal áspero de Lydonn até se encontrarem com toques melódicos de marimbas dando uma dimensão totalmente nova a canção. Momento esse que, só não é o ponto alto da música porque a guitarra monocórdica transforma-se logo depois em um solo virtuose, ressonante e apotéotico. E a partir daí, o power trio atípico ( vocal, bateria e guitarra sem contra-baixo) já soa como um gigante quartel gerenal com Lydonn gritando "Go crawl back into your dustbin !!!" a exaustão, avançando até o fim a perder de vista. Soa mais ou menos como um batalhão que segue avante do que com uma música comum, enfatizando a afirmação de Lydon de que o Public Image não era uma banda e sim uma "Empresa". Ironias a parte, "Fishing" é uma pérola estupidamente ácida construída por Johnny Rotten e Cia: No Wave inovadora e ambiciosa, fazendo sua versão do "No Future" para 1987. Integrante do disco "Album", "Fishing" é mais uma música capaz de fazer o mais atentos rever conceitos de como se deve ouvir música atualmente e ótima canção para embalar a entrada da delegação Britânica na Abertura dos Jogos Olímpicos em Pequim. Desconstrução musical, simples assim.

Música: "Fishing"
Artista: Public Image Ltd.
Disco: "Album" (1986)

Música-Gêmea: "Bags"/ Album (1986)

Closed mouth catches no flies
Burning bridges as you're crossing is not very wise
When analysed
Be tongue-tied
Play snakes and ladders
But not suicide
Like casting pearl before swine

Talking to you is a waste of time
You burned the bridges you've been crossing
Go crawl back into your dustbin

Crawl back in your own dustbin

From you expect this lack of respect
To be sly
Not one of a kind
Pretty picture
Bad frame of mind
Like casting pearl before swine

Talking to you is a waste of time
You burned the bridges you've been crossing
Go crawl back into your dustbin

Go crawl back into your dustbin
Go crawl back into your dustbin
Go crawl back into your dustbin
Go crawl

I've learned caution
This comes from wisdom
These altitudes
These dizzying heights
These bottomless pits
These sweet delights

Like me
You are unlike me
Like me
You are unlike me

Go crawl
Back in
Your dustbin

Talking to you is a waste of time
You burned the bridges you've been crossing

Under surveillance
Sweet subservience
I think you're stupid
But you're worth the mention
People who need people
Are the stupidest of people

Go crawl back into your dustbin
Go crawl back into your dustbin
Go crawl back into your dustbin
Go crawl back into your dustbin

Music Tube Television: Hawkwind

2008-07-31T22:04:00.003-03:00

Registro ao vivo de 1972, Lemmy ainda pré-Motorhead no comando dos vocais em uma viagem hipnótica e alucinante em companhia dos pioneiros do Space-Rock a bordo da "Máquina de Prata".

~ Silver Machine

Top 5: Melhores Guitarristas

2008-07-23T15:24:00.012-03:00

Quadro novo e auto-explicativo.

Há quem diga que a principal invenção tecnológica do século 20 foi a guitarra elétrica. Seja isso verdade ou não, pelo menos é ela que ainda leva esse troço chamado Rock adiante. A lista a seguir ficou no campo dos essenciais, levando em conta sua relevãncia e a sua criatividade para dar novos rumos a música e a próprio instrumento em si. Então, soleiros pretensiosos, obcecados por pentatônicas e paranoícos por sobe-e-desce escala foram sumariamente excluídos da lista.

# 5) Clarence White:

Provavelmente quando Clarence White trocou o banjo Blue-Grass por uma Fender Telecaster ao entrar para o Byrds em 1967 ele imaginou: "Uh!, moleza ! hehe". No entanto, White preferiu não ficar no óbvio e incorporando elementos de outros instrumentos de corda criou um modo único de tocar guitarra. Seus bends oblíquos uniu o misticismo da Psicodelia ao clima doce do Country. "Younger Than Yesterday" (1967), Notorious Byrd Brothers" (1968) e "Sweetheart of the Rodeo" (1968) giram totalmente em torno de seus atributos, que precocemente foram interompidos quando Clarence morreu em 1973, fazendo Roger Mcguin encerrar as atividades do Byrds naquele mesmo ano.

"Ele tirava vantagem de um equipamento leve para obter um som incofundivel e cortante. Nunca mais surgiu alguém como ele" ( Jerry Garcia )

Guitarra Imortalizada: Fender Telecaster String-Bender
Disco 'RG' : "Sweetheart of the Rodeo" (1968)

# 4) Kevin Shieds:

Se a lista fosse a partir dos anos 80 para cima, ele estaria no # 1. Mais do que um guitarrista, Kevin Shields é um perfecionista nato que despeja todo o som de sua mente chapada e psicótica em cordas soterradas em efeitos, distorções e afinações fora do comum. Líder e compositor principal do My Bloody Valentine, ele tornou-se uma lenda do Underground. Porém diferente dos Irmãos Reid que comandavam o Jesus & Mary Chain, seu modo de tocar fazendo acordes dilacerados levando a alavanca da guitarra como estivesse tocando surf-music exaustivamente, fez de sua banda umas das mais influentes da década de 90. E por causa da perfeição sobrenatural de "Loveless" (1991), uma combinação indescritível de distorções e melodias obscuras, fez com que Shields só retornasse aos palcos uma década e meia depois junto ao Primal Scream em 2000, e nesse ano finalmente com o tão esperado retorno do My Bloody Valentine.

"Tradicionalmente as pessoas escutam música com se fosse um tipo voz, enquanto os instrumentos ficam no fundo. Procuro não escutar música desta forma e procuro percebe-la como um todo. (... ). Não sigo a noção padrão do que é certo e errado no conceito de construção musical e a respeito de onde tudo deve ser devidamente colocado.” (Kevin Shields)

Guitarra Imortalizada: Fender Jaguar / Jazzmaster
Disco "RG": Loveless (1991)

# 3) Johnny Ramone:

Após comprar sua primeira guitarra e perceber que não conseguia tocar nem Beach Boys, nem Beatles, nem Rolling Stones, Johnny não viu outra saída a não ser compor músicas mais simples com seus amigos. E foi exatamente daí que os Ramones conseguiram se tornar precursores do Punk um ano antes do estouro definitivo do estilo. E desde então, os 3 acordes de "Ramones" (1976) fazem qualquer garoto de 15 anos ter vontade de por as mãos em uma guitarra eletríca. A despretensão e a urgência que Johnny alterna acordes ainda resultou na idéia conjunta com Tommy Ramone de acelerar as canções nos shows, deixando tudo mais descontrolado e visceral. E pensar que seu o conselho dado a C.J. (substituto de Dee Dee no contra-baixo) quando integrou a banda, foi digno do que um garoto de 15 anos poderia dizer: "Treine de frente para o espelho, mantenha o instrumento abaixo da cintura e mantenha as pernas bem afastadas".

"Johnny Ramone tocando 'leave home' é algo que oscila entre o ridículo e o genial" (Kevin Shields)

Guitarra Imortalizada: Mosrite the Ventures
Disco "RG": "Ramones" (1976) , "Animal Boy" ( 1986)

#2) Jimi Hendrix:

Mais do que sua indiscutível importância, Hendrix foi um elo definitivo entre diversos campos no Rock: da Psicodelia da década de 60 ao Blues e a Soul Music. Sendo pioneiro no experimentalismo com pedais, "Are You Experienced?" (1967) ainda não se conforma por aí: Hendrix despeja riffs abstratos e ao mesmo tempo afiados, algo que só iria se acentuar nos albuns seguintes, quando seu flerte com seus estilos favoritos iriam predominar e fazer com que Jimi criasse sua versão própria de cada um deles. Basta ouvir sua cover de "Along the Wacthtower" (Bob Dylan) para isso ficar bem claro. E depois de sua carreira encerrada tragicamente em 1970, a pergunta que fica é se caso ainda estivesse vivo hoje, se seu legado continuaria como ocorreu na década seguinte a sua morte. Mas esse é um questionamento que somente o torna ainda mais responsável pela popularização definitiva da guitarra elétrica ao redor do mundo. Atributo que fez dele um mito, consolidado e canhoto.

Guitarra Imortalizada: Fender Stratocaster
Disco "RG": Are You Experienced ?" (1967)

#1) Keith Richards:

Parece até premetidado. Quando Brian Jones, fundador da banda e principal guitarrista faleceu em circustâncias misteriosas afogado em sua piscina, os Rolling Stones já se viam em meio a constantes disputas de ego. Keith mantinha-se atento a tudo e disputava atenção instrumentalmente com Jones em quase todos os discos da banda até então. Com a morte de seu colega, a sua criatividade em flertes com R&B e Country floresceram de forma monstruosa, antes então ofuscadas pelos arranjos de Brian e os vocais chamativos de Mick Jagger. E como se não bastasse, seu potencial para riffs abertos trouxeram uma nova dimensão para banda a partir de 1970. "Brown Sugar" de "Sticky Fingers (1970) é a grande prova disso, no qual Keith abre o leque da banda e dá o tom de como seria as apresentações ao vivo do grupo a partir daí. Mas é em "Exile on Main Street" (1972) que sua predominância atinge seu ápice. Com a moral nas alturas entre a banda, Richards põe se no centro de tudo e assina todos os arranjos em um disco que sarcasticamente temos o vocal de Mick Jagger soterrado na mixagem. A partir daí ninguém mais tomou seu posto como guitarrista absoluto e essencial, nem dentro dos Rolling Stones e nem em lugar nenhum. Sua aparente simplicidade esconde sagacidade que ultrapassa seu modo de tocar e chega ao seu modo de viver. Doce vingança a sangue-frio que já foi trocado 2 vezes.

Guitarra Imortalizada: Todas as Telecaster
Disco "RG": Sticky Fingers (1970) , Exile On Main Street (1972)

Rascunho Sonoro: David Bowie - "Sound and Vision" (1977)

2008-07-21T14:52:00.005-03:00

Talvez pelo ano e pela ironia fina da época (1977), a batida têm um leve toque 'Disco'. Mas pela força e a vontade que o baterista desçe a mão, parece mesmo que ele está tentando nos dizer: "Isso aqui é uma banda de Rock ! Glam Rock !". O ritmo conduz e convida ao balanço, acompanhado de uma guitarra repetindo um verso melódico e cativante que segue até o fim. A canção até aí bate os 1 min e 30 segundos onde ainda nessa altura ouvem zumbindos de teclados sintetizados, backing vocals femininos e nada de vocal até então. Eis que um saxofone invade a musica antecedendo o vocalista que finalmente aparece: "Don't you wonder sometimes... 'Bout sound and vision". Cantarola Bowie, meio que desajeitado e com a voz mais grave do que o proprio sax tocado por ele. A partir de então, a música é uma pura divagação de colagem sonoras, hipnótica e viciante. A vontade de Bowie em esculpir cápsulas sonoras como a de seus amigos do Roxy Music faziam foi tanta que acabou resultando em um dos discos mais emblemáticos pós-fase Ziggy Stardust. Com a ajuda de Brian Eno, 'Low' é a combinação perfeita de experimentalismo e música Pop, onde as barreiras entre futurismo e Rock são quebradas a cada música de forma radical e premeditada. Mas nenhuma consegue ter o mesmo poder de 'Sound and Vision', onde concretismo visual e música combinam-se de forma perfeita antecipando um novo modelo de sonoridade que ia dominar o Rock dos anos seguintes. Atitude e Rock de Vanguarda em mais um presente de Som e Imagem de Bowie aos seus ouvintes.

Música: "Sound and Vision"
Artista: David Bowie
Disco: "Low"

Música Gêmea: "No One Receiving" - Brian Eno / Disco: "Before and After Science" (1977)

Letra:

Ahhh...
Ahhh...

Doo, doo, doo, do-doh
Doo, doo, doo, do-doh

Don't you wonder sometimes
'Bout sound and vision

Blue, blue, electric blue
That's the colour of my room
Where I will live
Blue, blue

Pale blinds drawn all day
Nothing to do, nothing to say
Blue, blue

I will sit right down, waiting for the gift of sound and vision
And I will sing, waiting for the gift of sound and vision
Drifting into my solitude, over my head

Don't you wonder sometimes
'Bout sound and vision

Rascunho Sonoro: Flying Burrito Brothers - "Christine's Tune"

2008-07-06T19:29:00.000-03:00

Música ganchuda que se preze começa pelo refrão. Mas antes, três acordes simples de violão com um toque leve Folk são a atenção até uma sequência de bends frenéticos e melódicos tomar posse da canção. No início, a voz de Chris Hillman e Gram Parsons são uma só cantando: "She's a devil in disguise, you can see in her eyes/ She's telling dirty lies/She's a devil in disguise/In disguise...". Sendo uma característica marcante de dezenas de grupos décadas posteriores, é quase impossível distinguir quem é quem até o momento do verso, quando cada um assume um lado do stéreo. Baixo e bateria vão fazendo caminho para os bends alternados a cada frase de Hillman, que canta a primeira estrofe de um lado até um inusitado solo de guitarra aparecer, pondo fogo pelo caminho com distorção e tudo. Alias, bends e a guitarra são centro de tudo aqui duelando misticamente, assim como os dois vocalistas. Misteriosamente, apesar de no video-clipe a Steel Guitar ser o centro das atenções, tudo indica que a guitarra parece mascaradamente fazer dois papéis na gravação. Disfarçada sutilmente, por dedilhados que iriam em pouco tempo conduzir o The Byrds para o mesmo caminho do Country Rock pelas mãos de Clarence White. Gram Parsons continua do outro lado até os dois cantarem a ultima estrofe juntos e seguirem para o fim com o refrão acompanhados pela guitarra camaleônica. Primeira canção de "The Gilded Palace Of Sin" disco de estreía do Flying Burrito Brothers, "Chrstine's Tune" encontra ícones da musica country como Merle Haggard, Hank Williams e Buck Owens com o Rock ganchudo da época feito por Stones, Beatles e Bob Dylan. Até aparentemente durante a canção, Gram Parsons e Chris Hillman soam algo como se Macartney e Lennon fossem uma dupla country equipadas de guitarras. E a canção mixada de forma indeterminadamente genial acentua ainda mais isso, onde os "Irmãos Burrito" parecem mesmo dialogar sobre uma garota. Cada um com o seu ponto de vista da história, um de cada lado do banco e o som do rádio no meio, ao borbo de uma caminhonete qualquer datada de 1969: Country Rock ano zero.

Música: Christine's Tune ( aka. Devil in Disguise )
Artista: The Flying Burrito Brothers
Disco: The Gilded Palace of Sin (1969)

Música Gêmea: "The Return of the Grievous Angel" - Gram Parsons / Disco: Grievous Angel (1970)

Letra:

She's a devil in disguise you can see it in her eyes
She's telling dirty lies she's a devil in disguise in disguise

Now a woman like that all she does is hate you
She doesn't know what makes a man a man
She'll talk about the times that she's been with you
She'll speak your name to everyone she can

She's a devil in disguise you can see it in her eyes
She's telling dirty lies she's a devil in disguise in disguise

Unhappiness has been her close companion
Her world is full of jealousy and doubt
It gets her off to see a person crying
She's just the kind that you can't do without

She's a devil in disguise you can see it in her eyes
She's telling dirty lies she's a devil in disguise in disguise

Her number always turns up in your pocket
Whenever you are looking for a dime
It's all right to call her but I'll bet you
The moon is full and your just wasting time

Rascunho Sonoro: Primal Scream - "Accelerator" (2000)

2008-07-01T19:40:00.001-03:00

Quadro novinho em folha do Blog... a cada texto, uma resenha de uma música só, rascunhada em palavras o que se ouviu e o que se achou interessante:

O território é caotico, a musica surpreende no começo em que a canção anterior parece ter sido emendada com a que se inicia. Ouvem-se saraivadas rápidas da bateria, desconjuntas e mergulhadas em um feedback de fuzz das guitarras. Logo de cara, percebe-se a referência direta a Rolling Stones na batida que se ajeita de acordo com os acordes alucinados e saturados. Lembra-se rapidamente de "Street Fighting Man" dos Stones e a genialidade de Charlie Watts, incorporada por 5 segundos em meio a uma bomba de distorção. Quebrando o padrão de cozinha que dita o ritmo, baixo a bateria vão disputando atenção entre guitarras saturadas há uma potência absurda. Bobby Gillespie entra cantando a letra surreal "walk this streets full of dead meat, empty head cancelled eyes...". Seguem os versos anárquicos enquanto efeitos psicodélicos vão correndo atrás da pancandaria. Baixo e bateria acompanham Bobby tocando inconscientemente algo entre "No fun" (Stooges) e "Kick Out the Jams" (Mc5), enquantos os efeitos são disparados remetendo diretamente ao "Jarro Elétrico", marca registrada do 13th Floor Elevators. Seria tudo proposital e sarcástico ? A verdade é que quando a música cai no refrão, com Gillespie cantando: " Come on ! Come on ! Hit the Acelerator ! Hit the Accelerator ! Come On !", a pauleira dá uma guinada para um Proto-Punk de arena, divertida e convidativa a todos gritarem juntos, inclusive a banda inteira. Mergulhada em agradáveis referências de Garage-Rock, o Primal Scream comete mais uma viagem alucinante. Com direito a deixar o ouvinte com vontade de retornar a ouvir as saraivadas curtas da bateria e ser soterrado pelas guitarras hipnóticas novamente. Space Rock de primeira, e um dos pontos altos do disco "XTRMNTR" (2000), que na época foi considerado um álbum "Punk de Pista" ( ! ). Em suma, "Accelerator" são 3 minutos e 38 segundos de aura Rock n' Roll, esculpidos de forma criativa por um grupo que escuta bem, e com muita atenção as suas bandas favoritas. Absolutamente um Dirty Hit !

Musica: "Acellerator"
Artista: Primal Scream
Disco: XTRMNTR (2000)

Música Gêmea: "City" - Primal Scream / Disco: "Evil Heat" (2002)

Letra:

"Walk this streets full of dead meat
Empty head, cancelled eyes
Got a pain, got hunger
Lord my soul ain't satisfied

Come on, come on
Hit the accelerator
Come on, come on
Hit the accelerator Ain't hard to be a sinner
Lord it's hard to be a saint
Had a taste, you've had a glimmer
Start to shiver, can't be?/see? what you aint

Come on, come on
Hit the accelerator
Come on, come on
Hit the accelerator

Here we come, we're coming fast
All the others are in the past
Voices screaming in my head
It's the future, It's the future

Come on, come on
Hit the accelerator
Come on, come on
Hit the accelerator

Come on!!"

Music Tube Television: The Seeds

2008-06-07T10:52:00.002-03:00

Enquanto não vêm texto, música serve melhor do que qualquer palavra:

Ladies and Gentlemen, com vocês...

The Seeds !!!

Autênticos Nuggets !!!

e eu ? volto em breve...

Music Tube Television: The Gun Club

2008-01-13T17:26:00.000-03:00

Novo quadro do Blog: clipes raros, clássicos e outras bagaceiras musicais achadas nesse Google de videotapes.

The Gun Club - A House Is Not a Home ( ao vivo )

"Fool's Gold" em breve.

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Noite Passada, Um Disco Salvou Minha Vida

2008-01-09T13:30:00.002-03:00

David Bowie, PinUps ( 1974 )

Para comemorar os 61 anos do tio camaleão, nada melhor que escrever aqui sobre um de seus discos mais antológicos. Apesar de ser colocado como um disco fundamental de sua carreira, Pin Ups é na verdade um disco de covers. Definido segundo o próprio Bowie na contra-capa do LP como “minhas canções favoritas entre 1964 e 1967 durante meu período em Londres”. E que bom gosto o rapaz tem, ao passar pelas 12 faixas do disco a sensação que o ouvinte têm é que você está a frente de um repertório de David, compostas rapidamente e gravadas com carinho em uma seqüência só, mesclando peso e apuro pop como se nunca tinha ouvido antes na década de 70.

Gravado e lançado em 1974, o repertório foi escolhido a dedo pelo próprio Bowie. As versões feitas basicamente com uma banda de apoio são uma diversão só. “Rosalyn” do lendário grupo Pretty Things abre o disco em uma versão onde David a tritura em uma pauleira Proto-Punk. A banda afiada segue correndo atrás do Camaleão até desacelerar na belíssima “Here Comes the Night” do obscuro grupo R&B Them. A versão é envolvente, cheia de detalhes com direito a um solo matador de saxofone. O lado A segue nas pedradas “See Emily Play” (Pink Floyd ainda com Syd Barret), “Everything’s Allright” (Mojo’s) para terminar com a versão apoteótica de “I Can’t Explain” do The Who. O saxofone abre a música e segue brilhante matando qualquer melancolia em um clima de fim de tarde de sábado pré-balada.

Não para por aí, o Lado B abre com a linda “Friday on my mind” do grupo 60’s Easybeats carregada de carinho e suíngue com Bowie cantando os versos como se fosse um mantra: “Manhã de segunda parece tão triste...”. O clima melancólico se acentua na dilacerante versão de “Sorrow” dos Merseybeats. Nesta o camaleão incorpora um amante desiludido cantando ao pé do ouvido “A única coisa de você que consegui de você foi pena”, com direito a um solo confortante de sax seguido por violinos a caminho do céu. O clima deprê é quebrado por 3 pauladas, o disco segue com “Don’t Bring me Down” ( Pretty Things novamente ), “Shapes of Things" do Yardbirds ganha um colorido todo especial com efeitos Glam e “Anyway, Anyhow, Anywhere” (The Who). O disco termina com a cover de Kinks “Where Have All the Good Times Gone” onde Bowie não parece estar se despedindo, deixando o ouvinte com a vontade de querer ouvir mais uma.

Pin Ups saiu em 1974 mas ainda hoje soa contemporâneo, é disparado um disco essencial, indispensavel e fundamental para toda banda que sonha um dia fazer rock de arena com competência e classe. Além de ser uma ótima pedida para quem quiser conhecer bandas e artistas década de 60 e 70, Pin Ups também pode ser um grande candidato a se tornar seu próximo disco favorito de covers.

* post dedicado a todas as Pin Ups mundo afora.

~ David Bowie - "Where Have All The Good Times gone"

Music Tube Television: The Yardbirds - "Shape Of Things"

2008-01-07T14:13:00.001-03:00

registro raro dos Pássaros do Jardim, com direito a baqueta arremessada e jogada de volta pela platéia em um momento "Blow Up" às avessas.

Fool's Gold : LOOP.

2007-09-16T21:29:00.001-03:00

Sabe aquelas bandas que quando se escuta pela primeira vez, percebe-se instantaneamente que ela poderá alterar para sempre seu modo de ouvir música ? Pois bem, esta é a sensação que você provavelmente irá ter ao ouvir o LOOP. Formado em 1986 no sul de Londres por Robert Hampson, sua esposa Bex e o baterista Glen Ray, o trio logo diferenciou-se das outras bandas britânicas da época devido ao seu modo peculiar de compor. Inspirado na música eletrônica experimental do movimento “no wave” nova-iorquino e no “kraut-rock” alemão do início da década de 80, a banda criava riffs e acordes repetitivos de guitarra e baixo e os recheavam de efeitos criando uma dimensão absolutamente nova ao clássico rock de garagem feito na década de 60 e 70.

Explicitando sua principal característica logo no nome ( “Loop” significa quando um “sample” na música eletrônica é repetido sequencialmente ) a banda lança seu primeiro álbum em 1987. “Heaven’s End” impacta o ouvinte pela crueza no modo que combina uma verdadeira avalanche de efeitos. Um bom exemplo disso é a faixa inicial: “Soundhead” vêem com uma bateria tribal, o vocal sufocado de Hampson soterrado na mixagem ao ponto desaparecer entre um muro de guitarras saturadas que repetem alucinadamente o mesmo riff até o final da música. Pode primeiramente soar monótono tal conceito, mas é aí que se esconde o maior triunfo do LOOP. Inspirando-se em grupos pioneiros da música eletrônica como o Kraftwerk e Suicide, a banda devolve ao rock sua urgência e atitude. Com a seqüência de riffs seguidos pelo ritmo ora travado ora pulsante, o grupo uniu a simplicidade do punk à lisergia do psicodelismo.

Devido à série de efeitos e a “parede sonora” feita pelas guitarras, a banda foi associada inicialmente ao movimento “shoegazing” que denominava a Inglaterra no final da década de 80, algo que o LOOP logo depois tratou de se desvencilhar nos álbuns seguintes. “Fade Out” sai em 1989 com alterações na formação e com a banda já sendo um quarteto. No lugar de Bex ( esposa de Hampson ) entra John Wills na bateria e Neil Mackway assume o baixo. È a partir daí que a banda começa a chamar maior atenção da crítica e do público através de seus shows explosivos e viscerais. Em turnê, o quarteto abusava das drogas e promoviam em seus concertos, verdadeiras “raves roqueiras”. O som hipnótico do grupo acentuava-se ao vivo com as suas guitarras recheadas de efeitos elevados ao barulho extremo. Foi nessa época também em que a banda alcançou o seu auge criativo. “This where you end” é dos pontos altos do álbum “Fade Out”: o vocal furioso de Hampson se alterna com riffs pesados em um Hard Rock cíclico e viciante que desboca em eterna vituose guitarreira. “Collision” segue com uma bateria quebrada correndo atrás de guitarras que dialogam entre fuzz e wah-wahs, antecipando uma sonoridade que ia predominar em todo o rock alternativo da década de 90.

É nesse período também que a banda atinge o auge de sua carreira ao tocar em 1989 no Reading Festival, o maior festival de música alternativa da Europa. Momento marcante também em que a banda ao ser questionada sobre sua sonoridade, afirmou que compunha da forma mais simples possível confessando em entrevista que nenhum dos integrantes sabia tocar mais do que 4 acordes. “A Gilded Eternity” (1991), o último álbum da banda é uma grande prova disso. Despido de técnicas mirabolantes, o quarteto compõe um som único, inovador e de identidade. A bateria é que abre “Arclite” com uma virada que se repete até ser invadida por guitarras simulando acordes inspirados no Trance. A intenção aqui é viciar, jogar o ouvinte no mundo hipnótico e chapado do LOOP. Algo similar acontece em “From Centre to Wave”: o contra-baixo segue a batida reta para ser soterrado em delays das guitarras de Hampson e Scott Downson. O vocal segue sufocado, nauseante e incompreensível, assinando embaixo a identidade do quarteto.
Devido a problemas internos e com a gravadora, a banda se dissolve em 1991 deixando um legado sonoro fundamental para toda uma geração seguinte. A inspiração e a criatividade do Loop provou ao Rock que na busca por originalidade, as fronteiras não existem e que o diálogo entre a música eletrônica e o Rock já vêem de longa data. Sem buscar uma fusão absoluta, a banda espelhou-se em um gênero eletrônico para construir seu próprio estilo dentro do Rock. Idéia essa que apontou até uma nova saída criativa para o Rock contemporêaneo ( alguém falou em Robot Rock de Josh Homme ? ).

Após o fim do banda, Robert Hampson tocou com o Godflesh para depois entrar em uma carreira solo sem grande repercussão. Até hoje, Hampson recebe contatos de fãs que pedem exaustivamente um relançamento da discografia do LOOP. Sua sonoridade permanece presente no Rock Independente mundial emanando o espírito despretensioso e rebelde que rompem barreiras contemporâneas da fusões musicais. Do Black Rebel Motorcycle Club ao Queens of the Stone Age em 4 acordes.

Top 5

Se você poder escutar somente 5 faixas do Loop escute:

1 - “This Where you End”
2 - “Arclite”
3 - “Soundhead
4 - “16 Dreans”
5 - “Colision”

2006-09-10T22:16:00.000-03:00

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América eu lhe dei tudo e agora não sou nada
América dois dólares 27 centavos 17 de janeiro,
1956.
(...)
Eu estou falando com você.
Você vai deixar que sua vida emocional
seja conduzida pelo "Time Magazine"?
Estou obcecado pelo "Time Magazine".
Leio-o toda semana.
Sua capa me encara toda vez que passo furtivamente pela confeitaria da esquina.
Leio-o no porão da biblioteca Pública
de Berkeley.
Está sempre me falando
de responsabilidades. Os homens de negócios
são sérios. Os produtores de cinema são sérios.
Todo mundo é sério menos eu.
Passa pela minha cabeça
que eu sou a américa.
Estou falando de novo sozinho.
(...)
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Velvet Underground - "Sister Ray"
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2006-08-30T18:18:00.001-03:00

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"Eu ia motorizado pelas colinas
e vi Maybellene num Cadilac Coupé-de-ville
rolando pela estrada aberta.
Ninguém consegue ultrapassar meu Ford V-8.
O Cadillac vai correndo a 150.
Pára-lama colado a pára-lama, lado a lado.
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Maybellene, porque você não é sincera ?"
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~ Sonic Youth - "Incinerate"
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